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La lechera (en neerlandés: Het melkmeisje o también De keukenmeid o De melkmeid) es uno de los cuadros más famosos del artista holandés Johannes Vermeer, cuya datación, como casi toda la obra de Vermeer, solo puede ser aproximada. Se trata de un óleo sobre lienzo de reducidas dimensiones, custodiado en el Rijksmuseum de Ámsterdam. Descripción del cuadro En la esquina de una habitación, iluminada por una ventana que se encuentra a la izquierda del cuadro, un poco alta, se presenta la figura de una mujer, probablemente una criada, que está vertiendo leche de una jarra en un recipiente de barro que descansa sobre una mesa. En esa misma mesa, y en un primer plano, hay una cesta de mimbre, varios pedazos de pan y una jarra azulada. El resto de la habitación es bastante austera. La habitación casi desnuda apenas si alberga más decoración que un sencillo cesto colgado de una de las paredes. Destacan los sencillos dibujos de los azulejos del fondo de la escena. Análisis Esta pintura

La belle ferronière es el título con que se denomina a un retrato del Renacimiento: hoy en el Museo del Louvre, posiblemente de la misma modelo que otro en el Museo Czartoryski de Cracovia, ambos atribuidos al pintor italiano Leonardo da Vinci. Este Retrato de una mujer desconocida o Retrato de damadel Museo del Louvre fue pintado hacia 1490-95, y se reputa posterior a La dama del armiño de Cracovia. Es un óleo sobre tabla que mide 63 cm de alto y 45 cm de ancho. Autoría Aunque actualmente la crítica atribuye, de forma generalizada, la pintura a Leonardo, Bernardino de Conti puede quizás haber sido el autor del retrato. También le fue atribuido a Boltraffio. Origen del título "La Belle Ferronière" fue una de las amantes del rey Francisco I de Francia. Era una burguesa de París, y recibiría su nombre de la profesión de su marido, ferronnier (ferretero, persona que comercia con hierro), o simplemente del nombre de su marido, llamado Ferron. Este hombre fingió tolerar la

"Si no aceptas tus estrías, es que no te aceptas a ti misma". Así lo asegura Cinta Tort Cartró, una artista de 21 años de Barcelona, España. "Yo las odié durante muchos años, hasta que un día me di cuenta de lo estúpido que era eso", le recuerda a la BBC. "Las estrías son parte de nuestra esencia, de nuestros momentos, de nuestras vidas, de nuestras historias y de nosotros. Aceptar todo eso es aceptar tus raíces, tu historia y, después de todo,  aceptarte a ti mismo ". Convencida de ello, decidió poner su arte al servicio de esa idea y tratar de quitarle el estigma a todo aquello del cuerpo que se ha tachado de  " defecto " . Ahora su lienzo es la piel de mujer, en la que pinta estrías multicolores. "Desde que lo hago, muchas mujeres me han escrito diciendo que  mi trabajo las empodera ", asegura la artista, a la que en las redes sociales se la conoce como Zinteta. Siempre multicolores, sus obras incluyen ro

Inadvertidas, ocultas, perseguidas. Así fueron las relaciones homosexuales durante siglos en Occidente. También en el arte. Pero, aunque prohibida e invisible para muchos, la homosexualidad fue representada de forma constante en la pintura y en la escultura. Para verla solo había que saber -o poder- mirar. Ese es el ejercicio que propone el Museo del Prado de Madrid con motivo de la celebración del  Día Mundial del Orgullo  G ay  que tendrá lugar en la capital española entre el 23 de junio y 2 de julio. La principal pinacoteca de España vuelve la vista sobre su propia colección para sacar a la luz obras que muestran relaciones entre personas del mismo sexo, identidades sexuales que no se ajustaban a las normas sociales y cuerpos que no respondían a la división entre hombres y mujeres. También ponen de relieve la persecución de aquellos artistas, modelos y coleccionistas castigados por no encajar en la norma. La muestra  "La Mirada del otro" , que se exhibe hasta

Las tres Gracias es un cuadro del pintor barroco Pedro Pablo Rubens, expuesto en el Museo del Pradode Madrid, España, pese a que originariamente lo guardaba Rubens en su propia casa. Está pintado al óleo y mide 221 cm de alto por 181 cm de ancho. Análisis del cuadro Como en otros cuadros de tema mitológico, Rubens lo plantea de modo muy distinto al de los artistas que le precedieron. En efecto, esta obra del llamado príncipe de los pintores flamencos es la antítesis de la obra anterior de Rafael Sanzio Las Gracias, caracterizada por un sentimiento general de castidad.Representan a las hijas de Zeus y pueden citarse como tipo de belleza ideal aunque pueden corresponder a la belleza más sensual. Aglaya, Taliay Eufrósine no fueron para Rubens más que una excusa para pintar tres academias femeninas, reproducción de las exuberantes formas de sus habituales modelos. La composición respeta el modelo clásico que representa a las Gracias completamente desnudas y reunidas, pero cambia la