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Ugolino and His Sons es una escultura de mármol de Ugolino realizada por Jean-Baptiste Carpeaux en París durante la década de 1860. Representa la historia de Ugolino de Dante Inferno en el que está preso y muerto de hambre con sus hijos el conteo siglo 13. La obra, conocida por su detalle expresivo, lanzó la carrera de Carpeaux. Ugolino y sus hijos Descripción y estilo: El trabajo es una representación altamente expresiva de Ugolino della Gherardesca de Canto XXXIII de de Dante Inferno . En la historia, el conde pisano Ugolino es condenado a morir en una prisión de la torre con sus hijos y nietos. Carpeaux muestra a Ugolino en el momento en que considera el canibalismo. La obra es emblemática de los elevados estados físicos y emocionales del estilo romántico. Ugolino mira en la distancia. Su postura ignora a los cuatro niños que se aferran a su cuerpo como si no supiera que estaban allí; el más pequeño está acurrucado a sus pies y posiblemente muerto. En el texto de la fuente, Ug

Ikuyo Yasuda nació en 1949 en la prefectura de  Osaka (Japón) Graduado de la Universidad de Kyoto en pintura japonesa  (1975) Está considerado como uno de los artistas más brillantes en el mundo del arte de hoy.Sus obras de la madre y el niño se originan en las artes cristianas italianas.Una fusión entre esa cultura y las artes japonesas como los santuarios sintoistas donde se unen lo profano y lo sagrado. Para Ikuyo la mujer es un universo donde se conjugan la infancia, las niñas vibrantes que dan lugar a mujeres vibrantes con la capacidad de crear la vida.Desgrana el paso del tiempo y los detalles con primorosa belleza.

Al  viajar a ciudades distantes  , una de las mejores maneras de conocer algo de cultura es viajar al museo de arte local.  En los museos, realmente puedes tener un sentido de la historia, sin mencionar que obtienes una apreciación de lo lejos que hemos llegado como sociedad. Siempre es interesante ver obras de arte que representan la vida cotidiana de nuestros antepasados, y una cosa que siempre se destaca es la poca gente que realmente ha cambiado a lo largo de los siglos. Aparte de cambiar las tendencias y las normas de moda, la gente todavía se ve así, bueno, la gente. Quizás es por eso que de vez en cuando, alguien se encuentra con un retrato en una galería de arte que parece más que un poco familiar.  De hecho, a veces la gente encuentra a su gemelo absoluto, o doppelganger, colgado en la pared de un  museo  . Estos retratos fueron pintados a veces cientos de años antes de nuestra existencia actual, ¡pero ahí están, pareciéndose a nosotros!  Es eso un poco extraño de  la Zo

Biografía de Emile Vernon A pesar de que los coleccionistas aprecian mucho el trabajo de Vernon, el conocimiento específico sobre su capacitación y trabajo sigue siendo incompleto. Estudió en la escuela de Bellas Artes de Tours, donde ganó el primer premio de dibujo en 1888. A partir de entonces fue enseñado por Bouguereau y Auguste Truphème. En 1898 en Tours, participó en la exposición de Bellas Artes y Artes Decorativas y comenzó en la Exposición de Artistas Franceses en el mismo año. Regularmente expuso su obra en la Exposición de 1898 a 1913, donde presentó retratos, paisajes, escenas de Bretaña y ramos pintados en acuarelas, así como figuras femeninas, que eran su especialidad. Según su hermana, se le pidió que hiciera decoraciones murales, como las pinturas hechas para el teatro en Châtellerault en 1899. Emile Vernon sobresalió en sus pinturas de figuras vagos y dulces de niños y jóvenes elegantes, con quienes a menudo asociaba mascota, guirnaldas o ramos de flores, y los pintó

John Currin  (nacido en 1962) es un pintor estadounidense residente en  la ciudad de Nueva York  .  Él es mejor conocido por sus pinturas figurativas satíricas que tratan con provocativos temas sexuales y sociales de una manera técnicamente hábil.  Su trabajo muestra una amplia gama de influencias, incluidas fuentes tan diversas como el  Renacimiento  , revistas de cultura popular y modelos de moda contemporáneos.  A menudo distorsiona o exagera las formas eróticas del cuerpo femenino , y ha destacado que sus personajes son reflejos de sí mismos más que inspirados por personas reales.  " Sus habilidades técnicas ",  ha escrito  Calvin Tomkins , " que incluyen elementos de  la  aplicación de pintura  Old Master  y la  composición de  alto  manierismo , se han utilizado en algunas de las pinturas de figuras más seductoras y fascinantes de nuestra era. " 

La Magdalena penitente de la lamparilla ,o  Madeleine Terff , es un cuadro del pintor francés  Georges de La Tour  pintado alrededor de 1642-1644. Este óleo sobre lienzo presenta a la  Magdalena  penitente, como en varias pinturas del artista, pero en una pose más tranquila, delicada. Magdalena penitente de la lamparilla (La Madeleine à la veilleuse) El pintor representa a María observando una  vela , impresionantemente realizada con texturas diferentes a medida que la llama asciende, una de las características del pintor que heredó de   Caravaggio . Este detalle, junto a la   calavera   en las manos de la protagonista pudiera aludir a la observación del paso del tiempo. Se conserva en el Museo del Louvre, en París. En la cultura popular Editar Este cuadro aparece como parte de la decoración del dormitorio de Ariel en la película "La Sirenita", de Walt Disney.

El pintor William Utermohlen realizó, entre los años 1995 y 2000, una serie de autorretratos mediante los que se puede hacer un “seguimiento” de cómo fue su vivencia del alzhéimer en este periodo y cómo esta enfermedad influyó en su pintura. Un autorretrato realizado en 1967 sirve de base para analizar esta evolución. 1 Autorretrato realizado en 1967, antes de padecer alzhéimer. Autorretrato de 1996, realizado en una fase temprana de la enfermedad 3 Autorretrato de 1997. Autorretrato de 1998. 5 Autorretrato de 1999. 6 Autorretrato del año 2000, último de la serie. William Utermohlen nació el 4 de diciembre de 1933 en South Philadelphia (USA) en una familia de origen alemán. Estudió desde 1951 a 1957 en la Pennsylvania Academy of the Fine Arts, una de las academias de arte más prestigiosas de Estados Unidos, y más tarde en la Ruskin School of Drawing and Fine Art de Oxford, en Inglaterra. Desde muy joven mostró una clara tendencia por el arte. Le encantaba pi

El descenso de la cruz (en neerlandés: De Kruisafneming) es considerada la obra maestra del pintor flamenco Rogier van der Weyden. Es un óleo sobre tabla, pintado con anterioridad al año 1443, probablemente hacia 1435. Mide 220 cm de alto y 262 cm de ancho. Se exhibe actualmente en el Museo del Prado de Madrid, como depósito de Patrimonio Nacional. Es conocido, generalmente, como El descendimiento. El descendimiento de la cruz (De Kruisafneming) Historia Este cuadro es la sección central de un tríptico pintado por Rogier van der Weyden como encargo de la guilda o gremio de los ballesteros de Lovaina, para la capilla de Onze Lieve Vrouw van Ginderbuiten (Nuestra Señora Extramuros). En honor a dicho gremio, el artista incluyó diminutas ballestas en los ángulos de la composición. En la iglesia de Lovaina estuvo El Descendimiento durante más de cien años. La regente de los Países Bajos María de Hungría, reputada coleccionista y hermana de Carlos V, llegó a un acuerdo

El triunfo de Baco es una pintura del español Velázquez, conservada en el Museo del Prado y creada en 1629. Es conocida popularmente como Los borrachos. El cuadro lo pintó algunos años después de su llegada a Madrid procedente de Sevilla, poco antes de su primer viaje a Italia. En la capital Velázquez pudo contemplar la colección de pintura italiana del rey y quedar impresionado por los cuadros de desnudo que tenía la colección así como por el tratamiento del tema mitológico. La obra aparece mencionada por primera vez, con el título de «pintura de Baco», en una cédula de Felipe IV fechada el 22 de julio de 1629 ordenando a su tesorero general el pago de 100 ducados por la pintura «que [Velázquez] ha hecho para mi servicio». El tema El cuadro describe una escena donde aparece el dios Baco que corona con hojas de hiedra, a uno de los siete borrachos que lo rodean; podría tratarse de un poeta inspirado por el vino. Otro personaje semimitológico observa la coron

En una hostería romana (en danés: Fra et romersk osteria) es un óleo sobre lienzo del pintor danés Carl Heinrich Bloch. Terminado en 1866, es una de las escenas de género más conocidas de Bloch. La pintura fue un encargo del comerciante Moritz G. Melchior, amigo y principal promotor de Bloch, quien fue incluido en la escena al fondo de la obra (está sentado en una mesa hablando con sus amigos). Dos figuras femeninas están sentadas dándole la espalda. El hombre sentado de espaldas observando a los espectadores es el propio pintor. Bloch fue alumno de Wilhelm Marstrand. Esta obra es similar a la Escena de una hostería italiana, de Marstrand. La pintura fue adquirida por la Galería Nacional de Dinamarca en 1935. El óleo sobre lienzo sin marco mide 148,5 por 177,5 cm (58,5 por 69,9 in). En una hostería romana Fra et romersk osteria

Léon François Comerre (10 de octubre de 1850 - 20 de febrero de 1916) fue un pintor académico francés , famoso por sus retratos de mujeres hermosas y temas orientales. Comerre nació en Trélon , en el Département du Nord , hijo de un maestro de escuela. Se mudó a Lille con su familia en 1853. Desde temprana edad mostró interés por el arte y se convirtió en alumno de Alphonse Colas en la École des Beaux-Arts en Lille, ganando una medalla de oro en 1867. Desde 1868, una beca del Département du Nord le permitió continuar sus estudios en París en la famosa École nationale supérieure des Beaux-Arts en el estudio de Alexandre Cabanel . Allí quedó bajo la influencia del orientalismo . Comerre expuso por primera vez en el Salón de París en 1871 y ganó premios allí en 1875 y 1881. En 1875, ganó el Gran Premio de Roma por su pintura " L'Ange annonçant aux bergers la naissance du Christ " (El Ángel anunciando El nacimiento de Cristo a los pastores). Esto llevó a una beca en la

En el cementerio de Poblenou o Pueblo Nuevo, un camposanto fundado en 1775 y ubicado en el barrio del mismo nombre de la ciudad de Barcelona , se encuentra una de las esculturas de mármol más significativas y enigmáticas del mundo: “El Beso de la Muerte”, (“El Petó de la Mort”, en catalán). La escultura representa a la muerte, en forma de un esqueleto alado, plantando un beso en la frente de un hombre joven y atlético, imagen que puede evocar tanto el éxtasis en el rostro del fallecido al dejar este mundo, como la tristeza por renunciar a la existencia en la flor de la vida. El encargo de la obra fue hecho al taller del escultor Jaume Barba, a quien desde siempre le fue adjudicada la creación de la escultura. Sin embargo, tomando en cuenta que este artesano tenía más de 70 años cuando se realizó, algunos se inclinan a pensar que el verdadero autor fue Joan Fontbernal, yerno del maestro y quien era el escultor más cualificado del taller de la familia Barba. La pieza conocida como “