CÓMO INTERPRETAR UNA OBRA DE ARTE

Ultima cena Leonardo da Vinci (1495-1497)

Cuando una persona poco conocedora habla de una pintura, casi siempre comienza; “no entiendo el cuadro, pero (no) me gusta…” y luego, cuando entra en confianza, dice (no) me gusta el color, el movimiento, me recuerda tal cosa. Es decir, a todos nos tiene que impactar, que sorprender la pieza, el primer elemento para interpretar una obra de arte, es el gusto, la emoción, la percepción inicial y luego viene la explicación, el concepto de lo percibido. En ese momento, entran en juego nuestros conocimientos artísticos.

Lo primero es entender que una pintura o un cuadro es una representación de algo concentrado en un espacio. Es una representación de una mujer, no una mujer. Por eso, lo primero que vemos en una pintura es el equilibrio que logra con sus elementos y las direcciones que nos propone llevar la mirada, es decir lo primero es la composición; el orden y la distribución de los elementos plástico. Esta composición nos lleva a un segundo elemento de interpretación; el contenido.

Toda obra de arte tiene algo para decir, para contarnos y para ello debe de ir más allá de lo obvio, hay que buscar el significado de cada elemento propuesto. Por eso, tenemos que trascender de lo meramente visual. Para eso nos apoyamos en el nombre de la obra, entramos en la búsqueda de lo que nos quiere decir, de su mensaje. Y para poder comprender esto, tenemos entonces que regresar a tres elementos fundamentales para esta interpretación; las formas, el color y las texturas de la pieza. Y para ello hay que analizarlos siempre en contexto, no separados.

Pero además, de la composición y el contenido, es bueno mirar el estilo de la pintura, es el sello del artista y muchas veces del momento histórico. Por eso, alguien decía que “para aprender a mirar hay que empezar por mirar”, es decir mirar la obra las veces que necesite la misma, volver a ella tantas veces necesitemos hasta encontrar lo que quiere decirnos el artista. Por eso, el único consejo es mirar libros de arte, visitar exposiciones, mirar nuestro alrededor y sobre todo, tener nuestra mente abierta a todo tipo de emociones y expresiones.

Análisis, interpretación y comprensión de la obra de arte

Mirada o asimilación

Mirar un cuadro, leer, comprender e interpretar una pintura o cualquier obra de arte, es una actividad similar a comer.

Los seres vivos necesitan incorporar a su organismo sustancias que, una vez digeridas, le permiten crecer y permanecer viviendo. AsÍ que el hecho de estar vivo implica asimilar lo extraño convirtiéndolo en uno mismo y desechar lo inservible.
Desde el momento que un niño dice su primera palabra, balbuceando,? Está empezando a usar otra forma de alimentarse: el conocimiento y la comunicación a través de la lengua. Toda actividad cognoscitiva, como leer, es igualmente alimentación.

Y mirar un cuadro, interpretar una obra de arte, ¿qué es? ¿Es conocer o simplemente es recibir emociones o sensaciones?

Mirar un cuadro es interpretar

Ver, mirar y contemplar una obra artística es leer, es interpretar; toda obra de arte dice algo al que quiere entender. Si no se quiere comprender es imposible que nos transmita algo. Así, pues, el tercer elemento, después de la obra misma y el autor, es el receptor. En ese diálogo silencioso el que lee se escucha a sí mismo; comprender lo que una obra de arte le dice a uno es entonces, un encuentro consigo mismo»

Como dice Gadamer, interpretar no es otra cosa que leer? A Así, este autor relaciona el hecho de la interpretación de la obra de arte con la comunicación, con la lectura.

Numerosos cursos universitarios se ocupan de las claves para entender las obras maestras, para saborear un cuadro.

El mercado del libro se nutre de publicaciones como Leer la pintura de Nadeije Laneyrie-Dagen, El placer del arte. Comprender la pintura, la escultura, la arquitectura y el diseño de Fusco Renato o Modos de ver de John Berger.

Artisticidad de la obra plástica

En su obra Lingüística y poética, Roman Jakbson establece la literariedad, o función poética; esta se deriva de un ejercicio creativo, para producir un efecto diferente, al seleccionar el hablante elementos que suponen una «trasgresión», o procedimiento creativo, y combinarlos (componerlos) sintácticamente.

El cuadro u obra plástica como signo lingüístico

Si se admite la consideración del arte como hecho comunicativo, según Gadamer y Jakobson, especialmente, hay que proponer igualmente que una manifestación artística -un cuadro- es un signo. No ya lingüístico, sino artístico.

Por lo tanto, según el esquema más prestigioso de signo lingüístico, el de la escuela glosemática de Copenhague (ver imagen 6), se puede valorar un cuadro, teniendo en cuenta todos los elementos que intervienen: desde el más externo o inmediato De las sustancia de la expresión (madera, pigmentos, etc) hasta el más profundo de la sustancia del contenido (motivaciones psicológicas del autor, influencia del medioambiente, formación, mentalidad, prejuicios, etc.)

Pasando por la configuración o estructura de las dos partes (forma de la expresión y del contenido) propiamente consideradas signo, la FORMA. En esta intervienen los factores importantísimos de la composición, la luz, líneas, tensiones, etc.

La obra como signo que forma parte de un diálogo.

Una vez analizado el objeto, su composición (forma y sustancia de la expresión) y significados (forma y sustancia del contenido, que no tiene que ser necesariamente figurativo) se procederá a estudiar las funciones predominantes, para obtener una valoración lo más ajustada posible de la manifestación artística estudiada.

Leer, mirar, escuchar al artista y la obra misma, es también escucharse y comprenderse a uno mismo, lector e intérprete.

ELEMENTOS PARA EL ANÁLISIS DE UNA OBRA DE ARTE

-LA LECTURA DE UNA OBRA DE ARTE : El enfoque del estudio de las artes plásticas puede ser: HISTÓRICO: conocimiento de la obra artística desde la perspectiva económica, sociocultural o religiosa de la época que la vio nacer. BIOGRÁFICO: fechas claves y significativas de la biografía de su autor, que permiten entender y valorar mejor los posibles cambios de estilo y las etapas de su producción. TÉCNICO: conocer los procedimientos artísticos empleados. Otra manera de ver el arte es con ojos nuevos e ingenuos, apartando todos los conocimientos que podamos tener de la obra contemplada, ya que condicionan nuestra visión. “Comprender” el arte implica un diálogo personal e íntimo con la obra. Consiste en dotar de significado los estímulos generados por su contemplación, aunque a veces no puedan explicarse verbalmente.

— IDENTIFICAR LA LUZ de un atardecer en un paisaje de una pintura. — Ver en el gesto de una escultura renacentista el momento concreto de todas las adolescencias humanas. — Sentir que los caballos esculpidos por Fidias en El Partenón adquieren fuerza y movimiento. Detalle de Friso oeste del Partenón – FIDIAS. El Foro visto desde los jardines Farnesio – JEAN-BAPTISTE-CAMILLE COROT La Piedad- MIGUEL ANGEL

– ¿QUÉ SE DESTACA EN UNA OBRA DE ARTE? Se pueden destacar tres elementos: 1. La idea de belleza de determinado momento histórico, su forma de vida, ideales, pensamientos, etc. 2. La forma plasmada en la materia, es decir, cómo transforma el artista o artesano la materia o materiales con los que está hecha la obra. 3. El contenido, es decir, los sentimientos o pensamientos que comunica.

– A través de la forma, espacio, color, luz, sombra, volumen, plano, etc. de una obra de arte, se puede apreciar el trabajo de mucha gente, el sentir del hombre en algunos momentos de la historia, pensamiento, forma de vida, creencias, temores, etc., lo cual se ve reflejado en el contenido y los materiales de sus obras plásticas. — Pintura rupestre prehistórica: animales pintados en las cuevas con elementos como aceites animales, vegetales y tierras colorantes. — Pintura y relieves egipcios: escenas de la vida a orillas del Nilo, la importancia de los Faraones y sus dioses.

– ESPACIO “Es el ámbito en que se desarrolla la acción plasmada en la obra, todo aquello que se sitúa en el interior del límite impuesto por el marco de un lienzo o un retablo, y las distintas relaciones que se establecen entre los elementos en ellos representados”.Vendimia (XVIII Dinastía – Egipto) Los desposorios de la Virgen – RAFAEL SANZIO

– COLOR. El color se relaciona con nuestras emociones. Existen dos teorías en el estudio del color: — El color-luz: Isaac Newton descubrió que la luz se compone de longitudes de onda separadas que se perciben como rayos cuando se refractan a través de un prisma en una superficie, revelando siete colores distintos, correspondiente a los siete colores del arco iris: rojo, anaranjado, amarillo, verde, azul, añil y violeta. — El color-pigmento: en la paleta del pintor, los colores están formados por pigmentos (colorantes procedentes de tierras, minerales o sustratos vegetales o animales) y aglutinante que, disuelto en el pigmento, permite las mezclas de los colores y la adhesión al soporte.

TEXTURA Sensación que produce la superficie, ya sea real (se puede tocar) o sugerida (“textura visual”). MOVIMIENTO Se podría dividir el movimiento de las obras en dos grandes grupos: los que por sus características producen una sensación estática, y las que sugieren el efecto contrario, es decir, una sensación dinámica. Sensación estática Inscritas en una estructura en la que predomina la verticalidad Compositivamente y la horizontalidad. Son simétricas. Cromáticamente Predominio de los tonos fríos (azules, lilas, etc.).Por temática Pertenece a ésta las obras de carácter espiritual, relacionadas con la contemplación u oración, o las representaciones de divinidades o reyes.

– SENSACIÓN DINÁMICA: Se estructuran en líneas oblicuas o curvas que provocan la Compositivamente impresión de desequilibrio. Son asimétricas. Cromáticamente Los tonos cálidos se asocian a percepciones de agitación (rojo, naranja etc.).Por temática Pertenece a ésta las obras con batallas, bacanales y temas mitológicos e históricos en los que predomina la acción. .

LA LUZ El inicio de la cultura, las leyendas y los mitos surgen alrededor del fuego que ilumina, protege y conforta a la comunidad. En los grupos humanos primitivos y las primeras civilizaciones históricas, la importancia de la luz se manifiesta en la representación del Sol, centro de vida y fuerza poderosa, en escudos, emblemas y vestidos de reyes y chamanes. Don divino en la Edad Media: el iluminado era una persona que conocía la verdad y la sabiduría de Dios. En el mundo del arte, la luz es entendida como una serie de rayos o partículas que inciden sobre las formas o los objetos de la realidad, y así permite que sean reconocidos. El contraste entre blanco y negro sirve para explicar plásticamente la configuración de los objetos: claroscuro. La lechera – JOHANNES VERMEER.

PROPORCIONES Por “proporción” se entiende la relación equilibrada entre las partes de un todo. Los dos cánones más conocidos en la cultura grecolatina se deben a dos escultores pertenecientes a la Grecia Clásica: Policleto (siglo V a.C.) y Lisipo (siglo IV a.C.). Modulor – LE CORBUSIER Apolo de Belvedere – LEOCARES.

TENSIÓN. Es el resultado del enfrentamiento entre dos fuerzas opuestas. Su espacio no es físico, de modo que se trata de un valor que no se puede medir. Obedece más a una sensación parecida a un desequilibrio, a una vibración o a una presencia de algo que “no es”, engendrado por lo que “sí es”.

– COMPOSICIÓN Ordenación de las formas y los elementos en el espacio plástico: un lienzo, una hoja en blanco, un bloque de piedra para realizar una escultura o cualquier otro medio susceptible de ser transformado artísticamente.

– EXPRESIÓN Toda obra de arte y todo creador trata de expresar algo a través de su labor artística, del fruto de su talento. Al espectador corresponde el ser capaz de ver qué quiere transmitir en su obra el artista.

Matteo Da lecce “Disputa junto al cuerpo de Moisés” Capilla Sixtina 1572-1585

Auto retrato de Vicent Van Gogh (1853-1890)

El rapto de Proserpina – GIAN LORENZO BERNINI (1598-1680)

La catedral de ROUEN – CLAUDE MONET (1840-1926)

Guernica es un famoso cuadro de Pablo Picasso, pintado entre los meses de mayo y junio de 1937, cuyo título alude al bombardeo de Guernica, ocurrido el 26 de abril de dicho año, durante la guerra civil española. 

Hombre de Vitrubio Leonardo Da Vinci. Esquema de las proporciones del cuerpo humano – LEONARDO DA VINCI. (1487)

Detalle Juicio Final Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564)

Retrato de Dora Maar

Pablo Picasso

Título original: Portrait de Dora Maar

Fecha:  1937

Estilo:  surrealismo 

Período: período  neoclásico y surrealista

Género:  retrato 

Medios:  aceite , lienzo 

Etiqueta:  retratos femeninos , Dora Maar 

Lugar:  Museo Picasso, París, Francia

Dimensiones: 92 x 65 cm.

El Grito de Munch (1893)