TÉRMINO ARTÍSTICO - VANGUARDIA Aplicado al arte, vanguardia significa arte que es innovador, que introduce o explora nuevas formas o temas.

Avant-garde es originalmente un término francés, que significa en inglés vanguard o vanguardia (la parte de un ejército que va adelante por delante del resto). Apareció por primera vez con referencia al arte en Francia en la primera mitad del siglo XIX, y generalmente se le atribuye al influyente pensador Henri de Saint-Simon, uno de los precursores del socialismo. Creía en el poder social de las artes y veía a los artistas, junto con los científicos y los industriales, como los líderes de una nueva sociedad. En 1825 escribió:

Los artistas te serviremos de vanguardia, el poder de las artes es más inmediato: cuando queremos difundir nuevas ideas las inscribimos en mármol o lienzo. ¡Qué magnífico destino para las artes es el de ejercer un poder positivo sobre la sociedad, una verdadera función sacerdotal y marchar a la vanguardia [es decir, vanguardia] de todas las facultades intelectuales!

EL COMIENZO DE LA VANGUARDIA

Se puede decir que el arte de vanguardia comenzó en la década de 1850 con el realismo de Gustave Courbet, quien estuvo fuertemente influenciado por las primeras ideas socialistas. A esto le siguieron los sucesivos movimientos del arte moderno , y el término vanguardia es más o menos sinónimo de moderno.

Algunos movimientos de vanguardia como el cubismo por ejemplo se han centrado principalmente en innovaciones de forma , otros como el futurismo , De Stijl o el surrealismo han tenido fuertes programas sociales.

EL DESARROLLO DE LA VANGUARDIA

Aunque el término vanguardia se aplicó originalmente a enfoques innovadores de la creación de arte en el siglo XIX y principios del XX, es aplicable a todo el arte que empuja los límites de las ideas y la creatividad, y todavía se usa hoy para describir el arte que es radical o refleja la originalidad de la visión.

La noción de vanguardia consagra la idea de que el arte debe ser juzgado principalmente por la calidad y originalidad de la visión y las ideas del artista.

MOTORES Y AGITADORES

Por su naturaleza radical y el hecho de que desafía las ideas, procesos y formas existentes; Los artistas y las obras de arte de vanguardia a menudo van de la mano con la controversia. Lea las leyendas de las obras de arte a continuación para conocer las ondas de choque que causaron. 

Edgar Degas
Pequeño bailarín de catorce años 1880–1, reparto hacia 1922
Tate

Aunque pueda parecernos inocente hoy en día, la pequeña bailarina de catorce años de Degas causó indignación cuando se exhibió por primera vez en la exposición impresionista de 1881 en París. La figura fue descrita de diversas formas como "repulsiva" y "una amenaza para la sociedad". Los críticos y el público estaban molestos por el realismo de la obra, pero también porque Degas había representado un tema moderno provocador ... las bailarinas eran consideradas parte del lado más sórdido del entretenimiento y poco más que prostitutas.

Botella y peces de Georges Braque c.1910-12
Tate
© ADAGP, París y DACS, Londres 2020

Alrededor de 1907, Pablo Picasso y Georges Braque desarrollaron un nuevo y revolucionario estilo de pintura que transformó objetos cotidianos, paisajes y personas en formas geométricas. El cubismo abrió el camino para muchos de los estilos de arte abstracto del siglo XX, pero el nombre del movimiento deriva de la respuesta despectiva de un crítico que describió una de las pinturas de paisajes de Braque como "rarezas cubistas".

Raoul Hausmann
El crítico de arte 1919-20
Tate
© ADAGP, París y DACS, Londres 2020

Quizás el último movimiento de vanguardia, Dada nació del disgusto por los valores sociales, políticos y culturales de la época, particularmente los horrores y la locura de la Primera Guerra Mundial. Satíricas y sin sentido, las payasadas de Dada causaron indignación, y la policía cerró una de sus exposiciones. Pero paradójicamente, aunque afirmaron ser anti-arte, el efecto del movimiento fue abrir la puerta a muchos desarrollos futuros en el arte.

Fuente de Marcel Duchamp 1917, réplica 1964
Tate
© Succession Marcel Duchamp / ADAGP, París y DACS, Londres 2020

Marcel Duchamp presentó su escultura Fuente (un urinario al revés) para una exposición organizada por la Sociedad de Independientes con un nombre falso. Aunque se suponía que la sociedad mostraría todo lo presentado por los miembros, el trabajo escandalizó a la junta y fue rechazado. Duchamp es citado como una de las figuras más importantes del arte moderno, inspirando a muchos artistas y movimientos artísticos posteriores, en particular el arte conceptual.

Man Ray
Indestructible Object 1923, rehecho 1933, réplica editada 1965
Tate
© Man Ray Trust / ADAGP, París y DACS, Londres 2020

En parte inspirado por las ideas del psicoanalista Sigmund Freud, el surrealismo fue un movimiento de escritores y artistas que experimentaron con formas de dar rienda suelta al inconsciente. Muchos críticos de arte vieron el surrealismo como absurdo o sin sentido, pero el movimiento demostró ser muy influyente, no solo en el arte sino también en la literatura, el cine, la música y la filosofía.

Jackson Pollock
Yellow Islands 1952
Tate
© ARS, NY y DACS, Londres 2020

Las pinturas de 'goteo' de Jackson Pollock pueden parecernos muy familiares ahora, pero su enfoque de la pintura (colocó sus lienzos en el suelo y literalmente goteó y salpicó pintura sobre las superficies), y las pinturas que resultaron causaron una salpicadura que fue más allá las propias obras, sellando su reputación como uno de los artistas de vanguardia más reconocidos del siglo XX.

Andy Warhol
Black Bean 1968
Tate
© 2020 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Con licencia de DACS, Londres

Los artistas pop sacudieron siglos de valores tradicionales de las bellas artes cuando rechazaron todo lo que les habían enseñado en la escuela de arte y adoptaron, en cambio, la cultura popular que veían a su alrededor, como el empaque de productos y la publicidad. Aunque ahora es un movimiento artístico reconocido y respetado (que tiene precios elevados en el mercado del arte), el arte pop alguna vez se consideró una seria amenaza para el mundo del arte.

Carl Andre
Equivalent VIII 1966
Tate
© Carl Andre / VAGA, Nueva York y DACS, Londres 2020

Cuando el Equivalente VIII de Carl Andre , veintisiete ladrillos refractarios organizados en rectángulo, se exhibió en la Tate en 1972, indignó al público y los críticos lo descartaron como "un montón de ladrillos" y aparecieron en los medios de comunicación nacionales caricaturas burlándose de la escultura. Andre y otros artistas minimalistas a menudo usaban materiales impersonales (como ladrillos o lámparas fluorescentes) para cuestionar la noción de que la obra de arte es una creación única de un individuo talentoso y para evitar su mercantilización.

Rudolf Schwarzkogler
3rd Action 1965, impreso a principios de 1970
Tate
© The estate of Rudolf Schwarzkogler, cortesía de Gallery Krinzinger

Los artistas afincados en Viena asociados con el accionismo llevaron el arte de la performance a un nuevo nivel de vanguardia. Sus 'acciones' tenían la intención de resaltar la violencia endémica de la humanidad y fueron deliberadamente impactantes, incluida la auto-tortura y ceremonias cuasirreligiosas en las que se usaba sangre y entrañas de animales. En junio de 1968, una de sus actuaciones los involucró con la ley y se presentaron cargos contra Günter Brus, Otto Muehl y Oswald Wiener.

Joseph Beuys
Information Action 1972
El arte de vanguardia a menudo tiene una dimensión social o política. Joseph Beuys, que pertenecía a la red de artistas de vanguardia Fluxus, utilizó como punto de partida el concepto de que todo es arte, que todos los aspectos de la vida se pueden abordar de forma creativa y, como resultado, todo el mundo tiene el potencial de ser un artista. Aunque era un profesor de arte apasionado y carismático en la Academia de Dusseldorf, su relación con la autoridad fue tormentosa y fue despedido en 1972.

Foto: Simon Wilson
Tate Archive Colección fotográfica: Siete exposiciones 1972

Martin Creed
Obra nº 227
Las luces se encienden y se apagan 2000
Desde mediados de la década de 1960, los artistas conceptuales han defendido la idea y el proceso del artista por encima del objeto artístico. Martin Creed causó controversia en 2001 cuando presentó su obra conceptual No. 227 en la Tate Britain. Consiste en una galería vacía que alterna entre iluminarse y sumergirse en la oscuridad mientras se encienden y apagan las luces. El trabajo provocó indignación. Una visitante de la galería arrojó huevos a las paredes para registrar su disgusto por la pieza.

Foto: Tate Photography © Martin Creed

Fuente: TATE